О чем думаете?
0 0

 -Подписка по e-mail

 

 -Поиск по дневнику

Поиск сообщений в Trudnoe_kino

 -Постоянные читатели

 -Статистика

Статистика LiveInternet.ru: показано количество хитов и посетителей
Создан: 12.03.2007
Записей:
Комментариев:
Написано: 20




Наталья Щерба - свободная ведьма

Понедельник, 28 Ноября 2011 г. 18:57 + в цитатник
avia-free (Trudnoe_kino) все записи автора

Автор Наталья Щерба, книга свободная ведьма.

И анекдоты просто так:

- Вчера смотрел фильм на канале "Культура". Чуть не уссался!
- Прикольная комедия?!
- Хрен там - комедия... Без рекламных пауз - трагедия, блин!

- Важнейший элемент в диете для похудения - это сон!
- Это как?
- Вовремя не уснула - обожралась пирожными!

— У моей вчера мясорубка сломалась. Ну она не растерялась. Мясо заморозила и на тёрке натерла.
— Мясо на тёрке???
— Ну! А че?
— Да так. Подумалось — ничo удивительного, что они коней на скаку останавливают.

Муж среди ночи кричит и просыпается. Жена спрашивает:
- Что с тобой?
- Приснилось, что я тебе вместо получки заначку отдал.

- Почему среди авиаторов так мало женщин?
- Женщины боятся залететь.


ММКФ №8 Антенна / La Antena

Среда, 04 Июля 2007 г. 13:34 + в цитатник
Elina_Na (Trudnoe_kino) все записи автора
ММКФ №8 Антенна / La Antena

Именно ради таких фильмов идешь на фестиваль. Я ничего не знал об Эстебане Сапире, я ничего не знал об аргентинском кино, но что-то в аннотации дало надежду на хорошее кино. И вот, неожиданное аргентинское поклонение немецкому экспрессионизму, Фридриху Вильгельму Мурнау и Фрицу Лангу; странный, удивительный, волшебный, фантасмагорический, ретрофутуристический мир на грани комиксов, сказок Гофмана и немого кино, причем без психического нездоровья так свойственного немецкому экспрессионизму.

Содержание комментировать не имеет смысла, оно стремиться стать часть формы, а форма прекрасна. Настолько прекрасна, что уже не суть важно что именно происходит в фильме, он прекрасен уже тем как снят.

Не удалось разгадать фашистскую, советскую и сионистскую символику в фильме. Медиа-магнат, желающий захватить власть над городом с помощью некой системы, воздействующей на людей, в основе которой фашистская свастика. Борющиеся с ним сначала улетают из города под советской символикой (шлемы с си-си-си-пи и звездами), а потом устраивают альтернативную систему, воздействующую на массы и перехватывающую управления ими, но уже со звездой Давида вместо свастики. Хм, а что, интересно, хотели авторы сказать.

Эстебан Сапир: “Я хотел рассказать историю на языке визуальных иллюстраций. И эта история в картинках о коммуникации (credits for quote: [info]jazzkinda).

Некоторым фильм почему-то напомнил «Самую грустную музыку на свете», мне – нет. Аргентинская «Антенна» проще и понятнее канадской «музыке», к деконструкции которой вообще непонятно откуда подступиться, тут все проще и прозрачнее, по крайней мере, на первый взгляд, хотя если приглядеться... (см. выше на тему сионизма)

Рекомендации простые: искать на dvd, загружать по сети и смотреть. Надеяться на выход в прокат несерьезно. Смотрите описание на imdb.

Читайте также о других фильмах прошедшего кинофестиваля: "Секс и Философия", "Официант", "Отец в командировке", "4 месяца, 3 недели и 2 дня", "Angel", "Viva", "Другой".

источник

Метки:  

II Форум израильского кино

Среда, 04 Июля 2007 г. 13:26 + в цитатник
Elina_Na (Trudnoe_kino) все записи автора
Три матери/ Shalosh Ima`ot / Three Mothers

II Форум израильского кино. День второй.
Три Матери/ Shalosh Ima`ot / Three Mothers
драма
Израиль, 2006
Режиссёр: Дина Цви-Риклис
В ролях: Гила Альмагор, Ривка Раз, Тали Шарон, Мири Месика
106 мин.

Потрясающе. Незабываемо. Красиво. С этих трёх слов, которыми обычно начинают рекламу голливудских блокбастеров, не следовало бы начинать отзыв, но иначе не могу. Потому что это действительно очень сильный фильм и не понятно, почему именно такое Кино не представляло Израиль на ММКФ. Это и не сопливая история ванильной любви, не тяжёлая драма о наркоманах, не фильм о геях или лесбиянках, не триллер. Это классическая драма с классическими приёмами работы режиссёра и актёров. В хорошем смысле классический фильм, ибо после бесконечного эксперимента в современном кинематографе начинаешь скучать по обычному качественному кино. К тому же, эта лента снята в соответствии со всеми лучшими традициями израильского кино: тема "маленького человека", социальные проблемы, малобюджетность (в том смысле, что режиссёр обходиться без излишних наворотов, и умеет донести до зрителя свою мысль правильной игрой актёров, а не модными техническими приёмами), классика. В том же время, это типично европейская картина. Всё, начиная от менталитета героев и заканчивая атмосферой, западное. И ни какой политики. Вообще, израильские художественные фильмы абсолютно аполитичны, что удивительно, для такой бурлящей политической жизни. Создатели старательно обогнули все глобальные вопросы жизни страны и мира: даже война Судного дня,  и та проходит мимо зрителя незаметно. Такое впечатление, что все острые углы политики были намеренно спрятаны и притуплены. Только проблемы обычного человека - простые и сложные - достойны внимания, только человек имеет право занять центральное место в душе зрителя.

А сюжет, как и положено, не витиеват: жизнь трёх сестёр-близнецов обсасывается со всех сторон от рождения до самой смерти одной из них. У каждой есть свои скелеты в шкафу, все виноваты друг перед другом, но общая беда и сестринская любовь не дают развалиться семье. И оставьте хеппи-энды Голливуду. Здесь не будет ни плохого, ни хорошего конца. Картина просто закончиться, как угасает жизнь человека, но вы  не выйдете из зала с тяжёлым чувством зарождающейся депрессии. Фильм лёгкий и даже где-то оптимистичный. Впрочем, это тоже старая добрая традиция израильского кинематографа.

P.S. Зал был набит до отказа, люди смотрели даже стоя. И, конечно, аплодировали в конце. Тоже стоя.

фильм «Простые вещи»

Среда, 04 Июля 2007 г. 13:22 + в цитатник
Elina_Na (Trudnoe_kino) все записи автора
фильм «Простые вещи» 2006г.

Смотрел фильм «Простые вещи», наш, новый. Полностью оправдывает свое название, действительно простой фильм, ИМХО. История замечательная, жизненная и рассказанная хорошо, но показанная, не очень. На 10 минуте просмотра хочется подойти к экрану и отодвинуть камеру подальше от лиц героев. В основном крупные, близкие кадры, претендующие на открытие внутренних мотиваций. Хотя сами актеры сыграли очень даже достойно, это постоянное вглядывание в их лица, (порой, кажется, камера просто мешает им передвигаться) раздражает, хочется простора. От этого ощущение двоякое, у меня лично, с одной стороны фильм очень хороший, достоверный, где-то даже злободневный и затягивающий, но иногда (особенно в первой половине), хочется быстрей перемотать вперед и увидеть еще хоть что-нибудь кроме лиц героев. Но что заставляет меня поставить этому фильму, все же, больше плюс, чем минус, так это реальная жизнь людей, с естественными диалогами, не наигранными смешными и грустными ситуациями, и даже, внимательнее присмотревшись, можно увидеть живой город. И конечно, как я писал выше, замечательная, правдивая, игра актеров. Через внешние перипетии обычного человека, раскрывается внутренняя борьба нескольких путей, выборов героя, а в некоторых случаях, когда уже мы, реально существующие, оказываемся в похожих ситуациях и наших решений. О, как!


Жанр: Драма / Комедия
Россия 2006
Режиссер: Алексей Попогребский
В ролях: Сергей Пускепалис, Леонид Броневой, Светлана Камынина, Михаил Евланов, Иван Шведов
В этот день у Сергея Маслова, врача-анестезиолога в питерской больнице, жизнь не заладилась. Неудачно прошла операция, с медсестрой Ксюшей возникли осложнения явно внеслужебного рода, по пути домой с работы (вернее — из пивной) отобрали права. Дома — не лучше. Дочка сбежала с каким-то неясным типом, а жена заявляет, что беременна и твердо намерена рожать, хотя в их коммунальной комнате и без того тесно.
Дела вроде бы начинают налаживаться, когда Сергею предлагают за хорошие деньги посещать на дому Владимира Журавлева, старого актера, когда-то прославившегося одной — не самой им любимой — ролью, а ныне почти полностью забытого. Журавлев старик, на первый взгляд, вздорный и капризный, и до Маслова сменилось уже несколько врачей. Но с Сергеем у него начинают складываться доверительные отношения. Пока однажды Журавлев не предлагает ему следующий расклад: Сергей должен помочь ему достойно уйти, и тогда в награду он получит картину работы Репина, стоимости которой должно хватить на покупку новой квартиры.
Сергей не терпит сложностей и неоднозначных ситуаций. Он не желает "вникать в капризы" Журавлева, да и работать с ним больше он не станет...
Но клубок обстоятельств жизни Маслова становится все более запутанным. Что-то надо делать. И вот, однажды, он подходит к дому Журавлева, неся маленькую ампулу в кармане и большое зеркало подмышкой...


источник

Метки:  

Brysomme Mannen (Неуместный человек)

Среда, 04 Июля 2007 г. 13:20 + в цитатник
Elina_Na (Trudnoe_kino) все записи автора
Den Brysomme Mannen (Неуместный человек)

был здесь пост, но какой-то невнятный..









Исландия, Норвегия, 2006
Режиссер Йенс Льен
В ролях Бриджит Ларсен, Пер Сконинг, Тронд Фауса Эурвог, Петронелла Баркер


Скептический норвежский взгляд на нравы и обычаи Рая (читай - скандинавского общества всеобщего благоденствия). Главный герой, молодой кудрявый самоубийца с непристойно вытаращенными глазами, попадает из-под колес электрички прямиком в уютненький мир иной. Чистый и опрятный парадиз отличается от жизни вот чем - в офисах тут угощают печеньем и позволяют валять дурака, денег столько, что можно перестраивать квартиру хоть каждый год, девушки сразу же соглашаются пойти с тобой на свидание... Короче, все благополучненько, но почему-то такая тоска...


http://www.brysom.no/
http://www.bothersomeman.com/









Вид влюбленных, присосавшихся друг к другу на платформе метро, стал последней каплей для не то чтобы несчастного, но как-то фатально заскучавшего от жизни Андреаса (Эурвог), и тот с кислым лицом шагнул под поезд. На том свете оказалось примерно так же, как на этом, только почище и везде играла «Песня Сольвейг» Грига. Андреаса встретили трогательным транспарантом «Добро пожаловать» и определили на службу, где надо было совсем немножко что-то считать на калькуляторе, а платили при этом столько, что аванса хватило на спорткар с откидным верхом. Сослуживцы и начальство были милейшими людьми. Палец, из любопытства сунутый под канцелярский резак, на следующее утро вырос обратно. Малознакомая красавица (артистка Баркер, при виде которой ахнут те, кто в детстве видел ее в советско-норвежском боевике «И на камнях растут деревья») переспала с Андреасом, даже не дожидаясь первого свидания, а когда Андреас устал от нее, на противоположном конце офисного кафетерия тут же нарисовалась альтернатива. При таких раскладах, наверно, странно было не стать счастливым, но у Андреаса — получилось.



Экзистенциальное отчаяние — вещь сама по себе не то чтобы дико смешная. Комедии на эту тему удаются только Джармушу и скандинавам, которые, видимо, на генетическом уровне все немного джармуши. В своем втором по счету (и первом, попавшем в более-менее международный прокат) фильме норвежец Йенс Льен, в прошлом рок-музыкант, берется исполнить вариацию на мотив отчаявшегося сердца, но выводит ее флегматично и ловко, будто играет на пиле: сам способ звукоизвлечения тут так занятен, что неизбежно отвлекает от душераздирающих свойств мелодии. Эффект удивительный — даже любопытно узнать, что за рок-н-ролл играл этот Йенс, прежде чем пойти учиться в киношколу.



При поверхностном рассмотрении «Неуместный человек» получается такой сатирой на победивший скандинавский социализм, доэволюционировавший путем неуклонного повышения уровня качества жизни до чего-то типа райских кущ. Главная и единственная тема для застольных разговоров в здешнем раю — новый каталог IKEA, уровень счастья населения заботливо отслеживают люди из отдела кадров (заходят в конце рабочего дня и спрашивают — «Ну как, вы счастливы?»), попытка суицида дурацким образом наталкивается на повышенную прочность телесной оболочки: настроившись по старой привычке решить все свои проблемы повторным броском под поезд, герой следующие минут пять с трагикомическими воплями наматывается на колеса локомотива, но погибнуть никак не может. Притом, как и положено по-настоящему хорошей абсурдистской работе, кино это сделано так невозмутимо и так всерьез, что иронический прищур автора толком регистрируешь лишь к середине фильма, а с тем, на чей именно счет его отнести, не можешь определиться до самого конца — как не получается с полной уверенностью понять, в раю происходит дело или все-таки в аду с высокой степенью социальной защиты. И по мере того как изначально довольно приятный артист Эурвог приобретает все более разительное сходство с линчевским Головой-ластиком («Ластик» — логичным образом — любимый фильм режиссера Льена), как-то очень естественно понимаешь, что пресловутое экзистенциальное отчаяние ничуть не почтенней разговоров о каталоге IKEA. И какое это, в сущности, забавное, праздное искусство — находить в заботливо подстраивающемся под тебя мире поводы для несчастья и из принципа, из глупого капризного упрямства (главная претензия героя к раю — что там недостаточно сильно пахнет свежими булочками) отправляться погибать в такие снега, куда ни одна, даже самая мотивированная и резвая Сольвейг не прибежит за тобой на лыжах.



Роман Волобуев, Афиша 30 ноября 2006.

источник

Метки:  

"Груз 200": в поисках шока и откровений

Среда, 04 Июля 2007 г. 13:17 + в цитатник
Elina_Na (Trudnoe_kino) все записи автора
"Груз 200": в поисках шока и откровений

10.03 КБ

Хотелось бы обсудить одну конкретную тему, на которой, собственно, и построено все продвижение "Груза".

Фильм с самого начала позиционируется как шокирующий, жесткий, запретный, пугающий. Каждая его рекламка кричит, что "ограничение по возрасту 21+", "не для семейного просмотра" и "фильм запрещен для показа на тв". Ок, один из простейших и эффективных способов промоушена.

То же подчеркивают приведенные в промо многочисленные выдержки "критики о фильме":
"отойдя от шока", "приходишь в первобытный ужас", "я не помню ничего — ни в кино, ни в литературе, ни в искусстве – что наваливалось бы на человека с такой неумолимой, непереносимой тяжестью", "выбивает из-под тебя почву, лишает точки опоры, раз и навсегда избавляет от любого частного, религиозного и социального идеализма, самый жесткий и честный ответ на все, что происходило и будет происходить в нашей стране, и вообще – под этим небом", "поражает нервную систему смотрящего", "объективно превосходит все, что до сих пор считалось образцом психологического фильма (Ларс фон Триер отдыхает)"

Черт, не правда ли, сложно пройти мимо фильма, когда, словно сговорившись, почти все разнообразные уважаемые кинокритики обещают вам жесткое избавление от любого идеализма, настоящее откровение, рядом с которым Ларс нервно курит? ,)


Судя по многочисленным прочитанным впечатлениям, подавляющее большинство зрителей действительно получает обещанный шок. Рецензии пестрят описаниями пережитых на сеансах "Груза" эмоциональных и интеллектуальных потрясений, катарсисов и прочая прочая. Даже те, кто не смотрели, уже заранее боятся и шокированы. Триер кусает локти. "а я боюсь идти на это кино......мне еще сказали, что в москве скорая из кино людей увозила...теперь вообще боюсь....." (из френдленты)

Между просмотрами новых трэшевых родригесов и тарантин я иду на "Груз" – увидеть наконец настоящее жесткое и правдивое кино (да еще и отечественное!), а не эти детские игры.

И что я вижу? Я вижу такой же трэш. Только настоящий трэш. Потому что автор снимает все это на полном серьезе, без улыбки, и зрители действительно всерьез находят там шок и откровения.

Ок. Опускаю сейчас все остальные пласты фильма, хотя замечу все же, что "идейная", критическая составляющая мне близка, и я понимаю ее социальное значение, но хочу обсудить только одно – почему "Груз" шокирует такое большое количество зрителей и становится для них откровением?

Есть следующее предположение. Поскольку люди, знакомые с авторским ("другим", интеллектуальным, арт-хаусным и т.п.) кино, очень вряд ли обнаружат для себя в "Грузе" хоть что-то необычно жесткое и шокирующее; поскольку люди, не понаслышке знакомые с настоящей российской действительностью, очень вряд ли увидят в "Грузе" что-то принципиально новое и откровенное про эту действительность, - постольку логично предположить, что шокирует и становится откровением фильм для тех, кто плохо знаком как с кинематографом, так и с реальной российской жизнью.
(Ну и, плюс, конечно, для "людей с неустойчивой эмоциональностью", это понятно по умолчанию, и эту группу мы сейчас опускаем.)

К примеру, Волобуев пишет, что "совершенно гениальный" фильм "страшен как смерть". Мне становится удивительно, я в недоумении, как "Груз" может шокировать волобуевых, которые уж несомненно должны были смотреть множество раз шокировавших публику и Триера, и Ханеке, и Линча, и Гринуэя, и Кубрика, и Пазолини, и Тарантино, и Ким Ки Дука и много кого еще. Все жесткие эпизоды "Груза" можно отыскать в гораздо более жестком виде: (навскидку) в "Списке Шиндлера" Спилберга, в "Необратимости" Ноэ, в "Слоне" Ван Сента, в "29 пальмах" Дюмона, в "Битве на небесах" Рейгадаса, в "Змее" Мурадова и в "4" Хржановского (вот уж особенно) и опять-таки много еще где.

И как "Груз" может быть откровением о нашей действительности для тех, кто знает и помнит об отрезанных ногах и гениталиях Сычева (и прочих зверствах в армии), о регулярных трупах похищаемых изнасилованных детей, о том, что творилось и творится в Чечне, о том, что происходит в российских тюрьмах, о торговле органами и т.д. и т.п. И это жизнь, наша жизнь, каждодневная, реальная. А не кино под поп-корн. Но либо реальность уже не шокирует, либо все-таки люди эту реальность игнорируют, и подобные фильмы вдруг оказываются небывалым откровением.

Посему, с учетом сказанного, вопрос: выдвинутая выше гипотеза верна, на ваш взгляд, или нет? Повторю идею: "Груз" шокирует и становится откровением только для тех, кто плохо знаком как с кинематографом, так и с реальной российской жизнью. (Ибо в противном случае человек не обнаружит там ни шока, ни откровений.)

источник
автор

Метки:  

Самый главный босс. Ларс фон Трир

Вторник, 29 Мая 2007 г. 14:19 + в цитатник
Elina_Na (Trudnoe_kino) все записи автора
"Самый главный босс" (реж. Ларс фон Трир)

15.14 КБ
Посмотрел "Самый главный босс" Ларса фон Трира. Для меня это как и Вуди Аллен — всегда ожидаемый режиссер. И если очкастый еврей это эталон интеллектуальной самоиронии, то формалист-датчанин, скорее догматик человеческой искренности.


Морализаторства нет. Об этом предупреждает сам режиссер в начале фильма снимая собственное отражение в стеклах современного здания. Сюжет разворачивается в офисе одной из датских IT компаний. Не совсем искренний, в первую очередь с самим собой, директор фирмы, нанимает ничего не подозревающего безработного актера на роль самого главного босса приехавшего из Америки для осуществления непопулярных в коллективе мер. В частности директор компании планирует продать фирму исландцу уволив персонал без выплаты компенсаций. По ходу сюжета, актер узнает об обстоятельствах и начинает корректировать свое поведение стараясь аппелировать к совести настоящего директора. Но актер есть актер и.. В общем получается очень интересно.

Будет интересно даже если не читать предварительных сведений о фильме, не знать технологии съемки, ни разу не быть погруженным в атмосферу социально стерильного скандинавского офиса (благо я отработал в подобном месте пять лет). А тем же кому интересна всяческая дополнительная информация или тем кто поленился поискать сам, сообщаю:

— фильм снят по технологии Automavision сводящей операторскую (и звукооператорскую?) работу к минимуму(если вообще оставляющей её) иногда при этом допуская забавные "псевдошибки" в виде неправильных, а скорее неожиданных, фокусировок, углов освещения и звуковых "эффектов";

— отношения исландца (им по сюжету является покупатель компании, а играет его исландский режиссер Фридрик Тор Фридрикссон ("Остров Дьявола") и датчанина, частично переданные в фильме, это пример давней многовековой вражды — Исландия была колонией Дании в течении 4х веков. Впрочем, в современной истории достаточно подобных примеров;

— герои фильма — нанятый актер и реальный директор фирмы, во время одной из встреч в кинотеатре смотрят не что иное как "Зеркало" Тарковского. Диалог на русском языке звучит фоном к разговору героев. Тарковский для Трира достойный восхищений режиссер, да и самого Трира часто причисляют к числу зараженных "Сталкером";

— Трир изобрел еще одну игру для зрителя "лукейс". К сожалению, подробностей достаточно мало, однако на "ленте" кое-какие сведения отыскать удалось.Вот кое-что;

— наверняка я еще чего-то упустил...

В общем не комедия это и не драма, а пища для ума, как обычно (хотя сам Трир в начале фильма утверждает обратное). Как по мне, так очень вкусно. Только бы вот трирская депрессия, которая по сообщениям некоторых источников всецело поглотила режиссера в последнее время и заставляет затягивать текущие проекты, оказалась позитивной дозой лекарства.

Поехал тратить полученные калории.


производство Zentropa Productions, Дания
продолжительность 1 час 35 минут
сайт фильма
фильм на imdb

источник
автор


Метки:  

Cады осенью. Отар Иоселиани

Вторник, 29 Мая 2007 г. 14:12 + в цитатник
Elina_Na (Trudnoe_kino) все записи автора
Сады осенью (реж. Отар Иоселиани)

25.89 КБ
На днях смотрел "Сады Осенью" Отара Давидовича Иоселиани. После "Утра понедельника" прошло уже больше четырех лет и новый фильм ожидали от него давно.

Кратко о сюжете. Министр неведомого (возможно сельскохозяйственного, хотя это н очень то важно) министерства вынужденно уходит в отставку. С этого момента для него начинается обычная жизнь представителя среднего парижского класса. Некоторые из насущных проблем вроде денег, жилья и уходящих женщин сваливаются неотвратимо быстро. Зато восстанавливаются давно забытые связи с друзьями и прочими собутыльниками, которые с радостью принимают бывшего министра в свои объятия.

Фильм очень добрый и оптимистичный. Фильм о возвращении к обычной жизни и ее огромной ценности. Часто гоняясь за мнимыми ориентирами мы забываем о жизни как таковой, насыщенной натуральными красками и всегда настоящей. Подобные темы Отар Давидович исследовал в предыдущем фильме —"Утро понедельника". Но если тогда рядовой рабочий пытался отыскать себя в иной, отличной от проходящей, жизни, то теперь представитель буржуазии не пытается, а растворяется в той жизни, которой не жил, но судя по всему ценил о ждал. Гротескные персонажи картины особо добавляют колорита происходящему. А садовник в роли которого снялся сам Иоселиани, мудро замечает бывшему министру, что он "не пилит деревья, а сажает".

Продолжительность: 1 час 55 минут.
Фильм на Arthouse.Ru.
Фильм на IMDB.

источник
автор

Метки:  

"Самый главный босс" Ларс фон Триер

Пятница, 13 Апреля 2007 г. 15:21 + в цитатник
Самый главный босс / The boss of all

Шутка гения

Офисная комедия от Ларса фон Триера – это звучит почти так же, как «Мелодрама от Квентина Тарантино» или «Памела Андерсон в роли инвалида». Гений европейского кино, снявший «Догвилль», перед грозой своего грядущего «Антихриста» решил повеселить интеллектуалов разговорно-иронической постановкой.

«Самый главный босс» идёт на датском, с подслеповатыми жёлтыми субтитрами – но при этом публика на нём смеется так, как не на всякой классической комедии.
Сюжет простой, но весьма оригинально закрученный: пронырливый бизнесмен нанимает неудачливого актёра, чтобы тот сыграл вымышленного директора для сделки по продаже IT-фирмы (покупатель пожелал иметь дело исключительно с директором). Первый раз переговоры срываются – и актёру приходиться сыграть директора ещё и для сотрудников фирмы, которых, как оказывается, бизнесмен ловко обирал, всякий раз прикрываясь приказом «самого главного босса».
В этом почти линейном сюжете (трепещите, голливудские бумагомараки!) Триер находит столько метафор и аллюзий, сколько жанру «офисной комедии» в принципе не надо.
Тут и стремление всякого объединения людей искать причины неудач «выше» - от начальника до бога, в противовес тому, что начальники и боги любят сваливать вину, наоборот, в самый низ.
Взаимоотношения «директора» и нанявшего его бизнесмена – аллюзия на отношения режиссёра и актёров на съемочной площадке: может ли режиссёр быть уверен, что это он делает свой фильм?
И самая главная, на мой взгляд, тема – сила (и одновременно слабость) искусства: оно побуждает людей к проявлению своих лучших качеств, но одновременно жаждет внимания – и в этой жажде раскрывает самые худшие стороны человеческой натуры.

Уже после титров я узнал, что фильм снят по новоизобретённой Триером технологии Automavision – когда нужный ракурс выбирает не оператор, а компьютер из восьми вариантов при заранее определенном положении камеры.
Единственный кадр, снятый, как говориться, по-человечески (чувствую, со временем в разговоре про кино это уже будет не ирония, а констатация факта) – слон в зоопарке, который при «компьютерном» выборе никак не влезал в экран.

В "Боссе" помимо сюжета самое лучшее - великолепные актёры: от, собственно, "директора", легко пробивающего на ха-ха "долгим взглядом своих печальных глаз" до затурканой пугливой сотрудницы, вскрикивающей всякий раз, когда включается принтер.

При всей своей гениальности фильм вызывает лёгкое недоумение – как у человека, который ещё не определился, услышав остроумную шутку: добродушное ли это веселье или тонко продуманное издевательство над ним? С таким же чувством на этот раз я покидал кинозал после фильма Триера: словно ещё не решив, бросаться ли на обидчика с кулаками, или добродушно засмеяться в унисон со всеми.


иcточник
автор

"Письма с Иводзимы"

Четверг, 22 Марта 2007 г. 17:00 + в цитатник
«Письма с Иводзимы».



2006, США, 140 мин, в оригинале «Letters from Iwo Jima».

Создав за прошедший год два широкомасштабных исторических полотна, посвященных Второй мировой войне, Клинт Иствуд, таким образом, еще сильнее врезал свое имя в скрижали истории кинематографа, и я хочу его с этим искренне поздравить. «Флаги наших отцов» ведут повествование со стороны американских солдат, «Письма с Иводзимы» - со стороны японских.

К превеликому моему сожалению картину «Флаги наших отцов» российские кинопрокатчики не закупили, не знаю на что, при этом ссылаясь. «Письма с Иводзимы» в Петербурге будут демонстрироваться одной копией уже с этой недели, с 15 марта.

Что у американцев всегда получалось создавать в фильмах, так это точное представление у зрителя о том, кто на экране является плохим, а кто хорошим. Клинт Иствуд на протяжении истории кино, в кинопроизводстве он чуть более 50 лет, и с увеличением собственной фильмографии всегда олицетворял этот закон, играя поочередно роли добрых и злых ребят и иногда их слегка смешивая. Так происходило до тех пор, пока Иствуд сам не сел за режиссерское кресло. Полное развенчивание мифов произошло в 1992, когда мэтр снял антивестерн «Непрощенный», где уже не было ни плохих, ни хороших, ни злых. Были только люди с пороками и скелетами в шкафу, пытающиеся остаться людьми, не смотря на жесткие условия Дикого Запада, в котором остаться человеком так же сложно, как выжить.

Затем, снимая относительно посредственное кино, Иствуд выстреливает в 2003 году маленьким шедевром «Таинственная река», спустя год «Малышкой на миллион», получая за каждый по Оскару за лучший фильм года и за лучшую режиссуру. А было уже время, до них, когда все поговаривали, что «человек-оркестр», выступающий в своих работах одновременно в качестве режиссера, продюсера, сценариста, композитора и актера, станет еще и зрителем собственных фильмов. Но он сумел мастерски выйти из сложившегося положения.

В плане устоявшейся голливудской закономерности «Флаги наших отцов» и «Письма с Иводзимы», являющиеся почти одним цельным фильмом, также приятное исключение из правил. Обе конфликтующие стороны показаны режиссером в равной степени. Клинт Иствуд не оказывает никому симпатий по ходу фильма, а просто старается максимально достоверно воссоздать противостояние двух наций и их культур.

В «Письмах с Иводзимы» лирическим отступлением и связующим звеном являются письма, отправленные центральными персонажами на свою Родину – Японию. Раскрываются в фильме и важные фрагменты биографий героев, которые имеют хоть какое-то отношение к надвигающейся войне. Однако главным персонажем Клинт Иствуд тут сделал историческое событие – битву за Иводзиму между американскими и японскими солдатами, битву не только посредством оружия и демонстрации силы воли противниками, но и мировоззрений.

Придраться в картине почти не к чему. Монтаж, игра японских актеров, отсутствие лишних спецэффектов, превосходная операторская работа и отличный сценарий от профессионала Пола Хаггиса, все выверено и продумано Иствудом и его съемочной группой до мельчайших деталей. Только Оскара на этот раз Клинт не получил, что удручает.

источник
автор

«Приключение» по лабиринтам постмодерна.

Четверг, 22 Марта 2007 г. 16:55 + в цитатник
«Приключение» по лабиринтам постмодерна.

Среди всех фильмов Антониони этот занимает особое, не сравнимое с другими положение. Дело даже не в том, что по опросам «Sight&Sound» поставил «Приключение» на второе место в списке «всех времен и народов» (традиция заводить реестры славы, а уж  тем более оценивать по ним кино кажется лично мне, мягко говоря, странной) и не в том устоявшемся клише об «особом месте в творчестве режиссера» (т.к. в том самом творчестве все на особом и одновременно законном месте, даже если кто-то этих законов и не прощупывает), к тому же картина вошла в своеобразную серию – она же «трилогия отчуждения»: 

«Приключение», «Ночь», «Затмение» - единую не столько по своей сюжетной организации или воссозданию во всех трех проникновенных чувственных образов Моники Витти («печальной музы», актрисы и подруги Микеланджело). Гармоничным и в то же время оригинальным в этом собрании «Приключнеие» представляется прежде всего потому, что применяемые в нем приемы съемки, методы сюжетного построения, диалогов (реже монологов) легли в основу нового киноязыка, формированию другой киноэстетики, во многом позволили  определиться и «опередиться» драме кинопостмодерна, в том классическом уже статусе, в каком она пребывает сегодня. И нечастый счастливый случай: это был отмечено критиками и организаторами международных кинопремий сразу же по выходе фильма: на Каннском МКФ 1960г. картине вручена специальная премии «за воплощение на экране нового киноязыка» (очень часто, чтобы оценить влияние и формирование той или иной культурной традиции в кино, специалистам требуется время и известное отстранение, абстрагирование от произведения. Именно поэтому существует немалая коллекция так называемых «неоцененных шедевров», когда по истечении некоторого срока давности  приходиться стряхивать пыль синематик, киноархивов и заново осознавать старые фильмы. Хорошо это или плохо, не имею права судить, знаю только, что сложно-неоднозначно: что вчера казалось верхом неприличия или бездарности, сегодня может быть названо «новым словом», «откровением»). Но фильмы «новой итальянской волны» настолько отличались от господствующего послевоенного «неореализма» с его обличительным пафосом действительности, что и слепой увидит. Конечно, в искусстве при достаточной свободе, широте и толерантности оценки трудно прочертить границы, развести то или иное течение, и все же не стоит пренебрегать некоторыми условностями. Классический (он же первый и, пожалуй, самый известный пример «итало неореа») стал «Рим – открытый город» Росселини. Фильмы Росселини, де Сики, Кастеланни, де Сантиса,  возможно, раннего Висконти значительно отличились от того, что стал снимать тот же Висконти спустя 2-3 года, что делали Антониони или Феллини. «Неореализм», пожалуй, впервые обнажил с такой смелостью и беспринципностью реалии Италии послевоенных лет, он выдвинул на авансцену «других» героев (проституток, воров, «потерянных людей»). Для своего времени он был невероятно злободневен. Можно сказать, что, если «неореализм» был в большей степени осознанием времени, то «новое кино» стало осознанием личности (иногда совершенно вне временного контекста).

     В «Приключении» богатая эксцентричная Анна (Леа Массари) пропадает на одном из необитаемых островов. Причем, пропадает до глупости странно: просто исчезает, когда все вокруг заняты своими делами и не обращают внимание на другого. Словно растворяется в соленом морском воздухе. У Анны «как будто бы» (относительность и номинальность происходящих событий и умонастроений становится одним из основных принципов построения сюжета) депрессия: ей скучно, надоел жених, общество, наряды, ей жалко терять эфемерную свободу безбрачия и не жалко близких людей (так она заставляет стоять под окном и ждать свою подругу, пока занимается любовью с женихом). Поиски Анны, как и ее пропажа, превращаются в «прятки», в игры больших детей: во время поисков решаются свои проблемы, развиваются отношения, говорятся «значащие» фразы, разыгрываются роли: героиня, блюдущая верность исключительно из лени, желчный от собственного ума муж, третирующий свою слишком хорошенькую, но глупенькую женушку, наконец, сама женушка, изменяющая с юным художественным дарованием из какой-то глупой «бабьей» мести. Роли разыгрываются отстраненно, сдистанцированно, словно взгляд на себя со стороны. Так в театре Брехта актер мог  на середине представления начать говорить о своем персонаже в третьем лице, как на репетиции. Эффект отчуждения («репетиции») очень важен для понимания «нового кино». Он рождал идею относительности происходящего. Относительность, которую возведя в высшую степень можно превратить в солипсизм, - так и возникал постмодерн. (Как видно из приведенного выше примера, сказать, что кино не влияло на этот процесс – не сказать относительно ничего).  Постепенно смысл и сила поисков Анны иссякает, а история плавно перетекает в другую (так в фильме задается несколько линий, но до однозначного конца не доведена ни одна). Подруга Анны Клаудия (та самая великолепная Витти) и бывший жених Анны Сандро (Габриель Ферцетти)(точнее, жених бывшей Анны) влюбляются друг в друга и становятся близки. На Клаудию, добрую, высоконравственную (хотя найдем ли мы что относительнее морали), сердобольную как бы давит груз общественных приличий (позднее выясняется, что это растворившийся дух подруги). Потому она и заявляет: «Несколько дней назад я боялась, что она не найдется, сейчас боюсь, что она возвратится». Реинкарнация  Анны свершилась однако так, как не ждал никто: она превратилась в минутную проститутку, с которой Сандро как бы случайно изменил Клаудии. Не важно, что это не настоящая Анна, это та самая роль, которую она могла бы отлично сыграть уже в этой новой жизни. Получается, что герои танцуют танго втроем, когда всегда есть кто-то лишний: женщина или мужчина, их имена не так уж волнуют, важнее, что они разыгрывают ту же самую историю каждый раз в других декорациях.

   Еще одним принципиальным нововведением в кинематографе становится изменение отношения ко времени. По брошенным вскользь фразам героев мы можем заметить, что вся история разворачивается за несколько дней, что явно противоречит жизненной логике событий. Конечно, существовал и классицизм или каммершпиль с его однодневным галопированием, но то было скорее безукоризненное следование писаному регламенту, делающее произведение абсолютно синтетическим. Здесь же понятие времени теряет свою значимость и функцию, становится относительным хронометром истории. Это порождает вариативность трактовок и вопросов: как долго происходила история? когда? происходила ли? история ли? Поэтому и слезы главных героев в финале фильма порождают неоднозначное символическое восприятие, как это понимать: запоздавшее раскаяние? прощение? прощание? единение мыслей и желаний?   

   Конечно, глупо пытаться рассказать о таком большом поступке  в искусстве (по законам которого мы к тому же еще продолжаем жить, т.е вносим в него изменения) по одному фильму. «Приключение» не создало постмодерн. Справедливо и обратное утверждение. Я также не касаюсь еще многих аспектов явления: «цитата цитат» (сколько подводных и не очень реминисценций у Антониони мы можем найти). С другой стороны, на примере отдельно взятого произведения проще проследить тенденции и характеристики направления (на которые  к тому же указанный фильм оказал безотносительно огромное влияние, как и сам режиссер). И я честно  попыталась это сделать. В предстоящую субботу(http://artkinoclub.ru/afisha.php) «АРТкино» (http://artkinoclub.ru) покажет «Приключение» на своем экране, так что у всех желающих поспорить с автором есть возможность посмотреть и предложить личную трактовку. Буду рада услышать ваше мнение!


 



иcточник
автор

Вавилон. режиссер - Алехандро Гонсалес Иньяриту

Среда, 21 Марта 2007 г. 14:44 + в цитатник
Babel - Вавилон. реж. Алехандро Гонсалес Иньяриту


Страна: США
Год: 2006
Студия: Anonymous Content, Dune Films
Продюсеры: Стив Голин, Джон Килик
Режиссер: Алехандро Гонзалез Иньярриту
Сценарист: Гильермо Арриага
В главных ролях: Кейт Бланшетт, Брэд Питт, Гаэль Гарсия Берналь, Джэми МакБрайд, Коши Якусо, Натан Гэмбл, Пол Террелл Клэйтон
Жанр: драма
Бюджет: $25 млн.
Длительность: 142 мин.
IMDB рейтинг: 7.7/10 (28,749 голосов)


Безусловно, фильм нашумел. Приятно назвать его ярким представителем американского кинематографа. Удобно считать что он - яркое отражение американского кинематографа. Приятное не всегда правильно. Фильм - универсальная драма, интернациональная драма. Не суррогат, но близко к тому. Не стоит больше об американском кинематографе.

Я думаю, мало кто не знает историю Вавилонской башни. Но все-же.
В незопамятные времена, как это случается и теперь, люди задумали превзойти Создателя. И решили они построить Башню до царства небесного и познать Тайны Господни. т.е, Башню, высотой до неба. Такую Башню, с которой до царства небесного - что до дома соседнего.
Много людей собралось, пожалуй весь род людской. Долго строили они Башню, и в последние дни строительства возгордились и уверились люди - царство небесное не так недоступно, и человеку стало быть, им царствовать, а не Богу. Бог же, не долго выбирая способ усмирения неразумных своих творений, просто перемешал слоги и слова, создав тем самым разные человеческие языки неузнаваемые. Люди перестали друг друга понимать и любая корпоративная деятельность стала невозможной. В скором времени башня была забыта, превратилась в руины, а люди -- по сей день говорят на разных языках.

С первых минут фильма становится понятна идея режиссера - показать разные культуры, разные языки, разное отношение к тем или иным вещам, но одну сущность. На мой взгляд, получилось вполне. Американцы - американцы. Мексиканцы - мексиканцы. Японцы - японцы. Все разные, но все - Люди.
Актерский состав трудно назвать удачным, но профессионалы своего дела тем не менее, вполне справляются со своей работой. Драматический сюжет, взятый за основу, трудно назвать новым. Потеря, поиск, страдание, сомнения, облегчение, обретение, радость, и.т.п - в комплекте. Воплощение - на уровне.
Вообщем, на этом можно и закончить "рецензию". Качественный интернациональный фильм, профессиональная работа режиссера, профессиональные актеры. Все понятно, все популяризованно, все приемы давно обыграны в мировом кинематографе. В конце-концов, фильм, название которого само по себе ссылается на разделением людей на разные культуры - вполне может быть "универсально-банален".
Хорошо это или плохо - дело вкуса, интерпритации. Длительное обсуждение "глубины" фильма не имеет смысла. Никто не обсуждает философский подтекст детских сказок или сводок новостей.
Вероятно, в ближайшее время можно будет выделить особый жанр мирового кинематографа: эмоциональное кино с контекстом.
Кино, определенно, стоит и внимания и денег за просмотр. Хотя-бы потому что 7.7 в imdb - вовсе не мало. А с рецензиями на подобное кино почти всегда творится полная неразбериха.

источник
автор

Гадкие Лебеди

Среда, 21 Марта 2007 г. 14:37 + в цитатник
Гадкие лебеди (2006)

Гадкие лебедиОбычно я избегаю скрупулезных сравнений между фильмом и литературным первоисточником, но "Гадкие лебеди" — дело иное. Я читал роман в 1994 году, сидя на даче. Была середина августа, и с начала недели зарядили дожди. Три дня, во время которых я неспешно читал роман, лил нескончаемый дождь. Такой недекоративный фон задал особое восприятие текста. Текст запомнился. Запомнилась сырость, и запомнилась цветовая палитра: голубовато-серая, дымчатая, густо-зеленая.

Поэтому для меня стал изрядным сюрпризом "этюд в багровых тонах", написанный Константином Лопушанским. "Уж не град ли обреченный он экранизировал?" — посетила меня саркастическая мыслишка при виде кинопролога: молчаливый главный герой, писатель Банев, едет в поезде, а по сторонам полыхают огни, стоят пожарные машины. Апокалипсис, как он есть. И пожарные тщетно пытаются унять адский пламень. Писатель Банев вступает в первый круг ада, а откуда уже готовы вылезть "мокрецы" — адские люди, чтобы предстать перед судом Божьим.

Я думаю, не у меня одного на протяжении фильма будет складываться впечатление, что Лопушанский (кстати, ученик и ассистент Тарковского на съемках "Сталкера") регулярно пытается сделать этакую кавер-версию, реминсценцию "Сталкера", или, по-крайней мере, затеять с ним перекличку, воспользовавшись широким набором аллюзий. Его цель — объединить "Сталкер" и свои фильмы в особый микрокосм, изобразить общий постапокалитичный мир, мрачное средиземье после ядерной войны. В противном случае, Лопушанский не стал бы придумывать поездку Банева в Ташлинск (чистый перифраз поездки Писателя, Физика и Сталкера на дрезине) и преодоление им энергетического кордона, выставленного мокрецами. Действие началось бы прямо в городе-обители мокрецов. Однако же, Лопушанский сознательно определяет границы, потому что Зона определяется границами. Нет границ — нету Зоны. Нет ее и без путешествия. Чтобы припасть к новому, инородному, таинственному, следует пройти ряд испытаний. Это есть в "Сталкере", это есть "Гадких лебедях" и есть в более раннем фильме Лопушанского — "Посетителе музея".

Понятие "граница и заграница" имеет в фильме еще и другое значение: мокрецам крупно не повезло, что они очутились на постсоветском пространстве. Ташлинск является не только средоточием мокрецов, но и средоточием ученых планеты и представителей ООН. Банев в фильме уже не тот, что в романе. Он приехал из-за бугра, он эмигрант. Благодаря его "измененному" восприятию, особенно сильно проступают уродливые (но сюжетно необоснованные) черты советского государства: какие-то менты-скинхеды, пиздящие инакомыслящих и иноковыглядящих, то бишь мокрецов; типично советская психушка, куда упекают дочь Банева Иру (в книге — Ирму). Почему сюжетно необоснованные? — да потому что Лопушанский, завозившись с границами, изображает мокрецов хозяевами Зоны. Не каждый человек может пройти границу, что и подтверждает труп, скособочившийся на стуле посреди кордонной полосы. К тому же, мокрецы Лопушанского вовсе не выглядят миролюбивыми и христианоподобными существами, которые пытаются изменить мир "любовью и лаской". Это агрессивные пришельцы-менторы, полностью изменяющие нравственный облик детей, поступивших к ним в ученичество. Они не испытывают жалости к людям. А обладая (по Лопушанскому) неограниченными возможностями, они вряд ли допустили бы издевательства над собой и своими подопечными внутри своих владений.

Лопушанский отчетливо доносит до зрителя основную идею романа: мир прогнил до основания, и чтоб его изменить, надо отказаться от всего, что тебе было дорого (тем более, что это "дорого" не имеет никакой ценности, кроме разве что привычки). Тебе надо либо принять мокрецов, либо умереть. Но когда в фильме начинает звучать "местечковая" социальная критика, когда посыл суживается до размеров российского государства с его ментами, оголтелыми (но убедительными, по сравнению с невнятными иностранными гуманистами) российскими учеными, советскими сумасшедшими домами, появляется фальшь. Не могу представить, зачем Лопушанскому потребовалось вкладывать в философский чемодан второе, очевидно картонное, дно. Впрочем, продюсировали картину не только русские, но и французские продюсеры…

Гадкие лебедиГораздо более интересно выглядят сцены, в которых Лопушанский отдаёт дань советской фантастике. Перед тем, как попасть в Зону, Банев совершает необязательную поездку в гости к ученому, чей отчет показался ему наиболее внятным и подробным. Этот ученый — карлик. О да, карлики — видные представители советской фантастики, вспомним хотя бы Туранчокса из культового "экологического" фильма Роберта Викторова "Через тернии к звездам". Эта поездка не проливает ни единого лучика света на происхождение мокрецов, зато даёт замечательную возможность полюбоваться на потрясающего карлика, который таскает двустволку и бутылку виски, чуть меньшую по размерам, нежели он сам.

Чисто внешне мокрецы Лопушанского — выходцы катакомб, выжившие, но безобразно мутировавшие после ядерной войны люди. Они таскают на себе балахоны из грубой ткани. И похожи на друидов. Здесь тоже присутствует какая-то религиозная каша и отсебятина. Так, например, Лопушанский придумал сцену, которой не было в романе, и которая выглядит зрелищно, но не к месту. Мокрецы, отрицающие все достижения человеческой цивилизации, в том числе культурные и религиозные, проводят коллективную медитацию: дети сидят на циновках в позе лотоса, а перед ними мокрец читает какую-то мантру. Через несколько секунд ошеломленный Банев видит, как мокрец и дети взлетают. Неужели этой сценой Константин Лопушанский хотел показать, что "нас спасут восточные духовные практики"? Удивительно свежая мысль. Западный мир пришел к этой мысли сорок лет назад и уже десять раз успел от нее отказаться. Но только не застрявший в безвременьи и на пол-пути к космополитизму писатель Банев. Внезапно и походя промелькнувшие атрибуты буддизма открывают такое широкое поле для толкований картины, что объема стандартной рецензии попросту не хватит, чтобы отразить хотя бы их малую часть. Но что касается Банева из фильма, — он не похож на Банева из книги. Своей беззащитностью и тотальной непонятливостью, концентрированной потерянностью он вызывает жалость. "Исследователь"! Мне симпатичны такие персонажи.

Фильм не выглядит актуальным (он принадлежит началу 90-х, и пусть вас не сбивает с толку светящийся экран ноутбука), и не выглядит хорошо продуманным, но чего у него не отнять — это атмосферности. Удушливый, темный, насыщенный водными парами город. Струи дождя визуально утяжеляются засчет инфракрасного излучения, которое "генерируют" в небесах мокрецы (уж не помню, было ли это в романе). Медлительное действие. "Фильмы-предупреждения" редкие гости на наших экранах, и потому не следует упускать возможности посмотреть "Гадких лебедей"

источник
автор

Без заголовка

Пятница, 16 Марта 2007 г. 17:53 + в цитатник
11 марта - кинопоказ: ДЕНЬ ПОЛНОЛУНИЯ - "The Point" СПб

11.03 (воскресенье)
16:00
Фильм "День полнолуния", реж. Карен Шахназаров (1998).


Фильм "День полнолуния - участник проекта Ларисы Малюковой ("Новая газета") "90-е: Кино, которое мы потеряли". В этом фильме нет сюжета в привычном значении этого слова. Картина снята как калейдоскоп эпизодов, в которых реальность сплетена с романтическими воспоминаниями, а жестокий, почти натуралистический видеоряд оборачивается поэтическим путешествием во времени. Персонажи этого фильма вспоминают, как красивая женщина, зашедшая пообедать в ресторан со своим спутником, демонстративно роняет бокал, встает и уходит. Почему-то именно этот эпизод оказывается связующим для всех фрагментов, из которых состоит фильм. Его героев связывает вместе то, что все они живы только в памяти режиссера. Это очень грустный и тревожный фильм. Та женщина исчезнет под полной луной, висящей рядом с блеклым ночным фонарем в правом верхнем углу кадра над старым двухэтажным домиком тихой московской улочки после долгого летнего дня, и это мгновение становится неумолимым прошлым каждый день, а не только в День полнолуния.


источник
автор

Кара для Мастера и Маргариты

Пятница, 16 Марта 2007 г. 17:47 + в цитатник
Кара для Мастера и Маргариты:)

Вряд ли найдется человек, который не слышал об этом "несчастливом" фильме, о судебном разбирательстве между режиссером и компанией ТАМП, и о том, как некий охранник спрятал все рабочие материалы и внезапно умер, унеся тайну клада в могилу. Таким образом, экранизацию самого мистического русского романа вполне закономерно окружила завеса мистики. Однако, после благополучного выхода на экран экранизации Бортко, пусть и неудачной, стало ясно, что не так страшен Воланд, как его малюют:) Просто фильм Кары и его судьба, как в зеркале, отражают бурные 90-е годы. Теперь фильм доступен для скачивания и можно судить, стоила ли овчинка выделки, т.е. шумиха - конечного результата. Как известно, в любом фильме очень важную роль играет кастинг, подбор актеров. И тут мы сталкиваемся с первым и последним чудом - подбор актеров почти идеален. Воланда играет Гафт, Иешуа - Бурляев, Коровьева - неподражаемый эксцентрик Филлипенко, Матфея - Дуров, Пилата - Ульянов, и т.д. Единственный провал - это Вертинская в роли Маргариты. Смотреть на ее 50-летние прелести без сомнения прикольно(см.фото), но играет она так фальшиво, что предпочтешь ей, пожалуй, Ковальчук с ее тяжелым взглядом и бульдожьей челюстью:) В игре остальных тоже есть странности и забавности - Гафт зачем-то постоянно сардонически хохочет, Бурляев играет Иешуа с теми же забитыми глазами Сотникова, а Ульянов Пилата - с интонациями маршала Жукова:) Но все это фигня и придирки, в целом актерский ансамбль крайне удачен. Однако на этом чудеса заканчиваются и вступают в дело 90-е, с их пошлостью и разгильдяйством. Начнем с технической стороны. Монтаж чудовищен, склейки зачастую видны невооруженным глазом, о "спецэффектах" вообще лучше промолчать, блеклая пленка удивительных расцветок - прощальный привет "свемы". Так же печально дело обстоит и с постановочной частью. Бал у Сатаны до боли напоминает первые новорусские банкеты, голые барышни выглядят так же пошло, как "крутые" подруги гопников, "за которых не дашь и рубля". 90-е валят из фильма с такой силой, что в какой-то момент перестаешь негодовать и расслабленно предаешься ностальгии. Особенно, когда на балу появляются карикатурные Сталин, Гитлер и Ленин, именно так, как их любили изображать в конце прошлого века. Там, кстати, грандиозный кусок Каровской отсебятины, и вообще, любителям точного текста a la Бортко фильм лучше не смотреть - текст Михайлы Афанасьича сильно порезан, а местами зачем-то переписан. На последок смешной эпизод со съемок. Когда снимали сцену бала со множеством обнаженных женщин, все деревья вокруг Шереметьевского дворца облепили военнослужащие из находившегося поблизости дома отдыха Министерства обороны. Увлекшись зрелищем, один из них свалился с дерева, чем жутко насмешил всю съемочную группу.



Тем не менее, фильм я рекомендую. В основном из ностальгических соображений, а так же, как кинокурьез. Впрочем, положа руку на сердце, сильно лучше снимать с тех времен не стали:)
Материалы и статьи о фильме на странице Льва Дурова
файл 1.6 гб Качество - вторая видеокопия + неважная оцифровка. Но смотреть можно.
Разбивка по сериям, примерно по 100 метров каждая. Качество, как не странно, такое же.
1 2 3 4


источник
автор

Бежин Луг, 1937; Да здравствуе Мексика!, 1931 - Сергей Эйзенштейн

Пятница, 16 Марта 2007 г. 17:38 + в цитатник
Бежин Луг, 1937; Да здравствуе Мексика!, 1931 - Сергей Эйзенштейн



Фильмы «Бежин луг» и «Да здравствует Мексика!» объединяет неудачная судьба – они оба не были закончены режиссером. «Бежин луг» – первый опыт Эйзенштейна в звуковом кино – был обвинен в формализме, а его единственная копия погибла во время бомбардировок второй мировой.

Сохранились только отдельные кадры, из которых позднее по принципу слайд-шоу собрали версию с титрами под музыку Прокофьева. «Да здравствует Мексика», снимавшийся на иностранные средства, после проявки и печати остался в США и только спустя 50 лет попал в руки Александрова, который, опираясь на заметки Эйзенштейна и былые их обсуждения во время съемок, сделал свою версию, в которую вошли его пояснения о предполагавшемся, но не реализованном.

В обеих работах очень четко прослеживается стремление режиссера выйти за пределы узких повествовательно-дидактических задач. Не коллективизация, символом которой вроде как должен быть пионер, предающий отца, а трагедия внутрисемейных взаимоотношений на стыке эпох, пресловутый вопрос отцов и детей, усиленный ломкой массового сознания, составляет смысловое ядро «Бежина луга». Сцены обобществления церковного имущества изобилуют образами утверждения нового, благого царства на земле (младенец в венце, дева у алтаря, которая лично мне навевала навязчивые ассоциации с ренуаровской девушкой с веером, наверное, благодаря полнокровности персонажа и вееру лучиков за головой), обозначают новую религию, концепция которой практически не изменилась – все ждут и идут к свету, коммунизму, раю, претерпевая невзгоды во имя и на благо будущего (спасение от пожара голубей, обезвреживание и последующее осмеяние «последних монархистов»). Но главной темой, определяющей композиционное единство произведения, является смерть. Сначала смерть матери Степка – свидетельство ужасов реальности. Потом в эйфорической радости переустройства мира она концентрируются в образах пожара, ружья, торчащего из алтаря, черепе в руках смеющегося мальчика. И наконец, смерть главного героя знаменует возвращение к реальности тех, кто весело смеялся над безоружными монархистами, считая их всего лишь музейными экспонатами.

  

И именно смерть является основным мотивом другого фильма – «Да здравствует Мексика!», снятого на несколько лет раньше. Фильм был задуман как ряд новелл с прологом и эпилогом, сродни классическому роману, разбитому на главы. В этих новеллах должна была быть представлена Мексика традиционная, Мексика страдающая и Мексика борющаяся. На последнюю новеллу денег не хватило, но даже ее отсутствие не влияет на законченность произведения, потому что его тон определяют эпилог и пролог, в которых затрагиваются разные аспекты смерти: пугающе-молчаливой и грозной в начале и радостно-безумной в конце. Видимо, только люди, умеющие так радоваться смерти, могут наслаждаться корридой, от сцен с которой до сих пор дух захватывает. И тема жестокого убийства в последней снятой новелле приобретает несколько другое звучание после карнавального представления смерти – смерти никто не боится, над ней смеются, мне хочется верить, что ей радуются. А попытка заглянуть в будущее, показав под одной из масок смерти, детское лицо, замыкает фильм о смерти вопросом о жизни. (Позднее, в «Бежином луге» смерть приведет к смерти.)

Если говорить о картинке, то безусловно «Мексика» более живописная по своему материалу, с совершенно сказочным антуражем, в котором Эйзенштейн умело поигрался с масштабом (пирамиды, кактусы), соотношением объемов в кадре (коррида, свадьба) и, конечно же, светотенью. «Бежин луг» отличает лаконичная картинка и сосредоточенность на психологических переживаниях персонажей (большое количество крупных планов) на фоне невозможно русских березок, полей пшеницы, лугов, утренних туманов и цветущей вишни. Да и музыка Прокофьева усиливает драматизм происходящего. В «Мексике» в некторых моментах довольно несуразно сочетаются замогильный голоса Бондарчука и веселенькая латиноамериканская музыка, да и само голосовое сопровождение очевидными комментариями периодически начинает раздражать, но это уже александровское решение полвека спустя.

  

Обе работы – незавершенные, хоть и по совершенно противоположным друг другу причинам – одна по идеологическим соображениям, другая – по коммерческим (правда, одна была почти полностью уничтожена, а другая хранилась в музее Нью-Йорка), собранные гораздо позже смерти Эйзенштейна – объединяет попытка диалога, может подсознательного, со смертью, а стремление переосмыслить социально-актуальное в общечеловеческих масштабах (как и во всех его работах) создает многоуровневый визуальный ряд, расшифровка которого доставляет большое удовольствие.





источник
автор ).

the science of sleep

Пятница, 16 Марта 2007 г. 17:33 + в цитатник
the science of sleep

Мишель Гондри настоящий кудесник. Из конструктора лего и он состряпает клип для white stripes. А из картонных коробок, душевых занавесок он соорудит ТВ-студию по трансляции сновидений, где действие происходит в мегаполисе из бумаги и фанеры с дымящими фабриками и снующими между небоскребов автомобилями. Все это он воплотил на экране в «науке сна» – рукодельной фантасмагории о маленьком мальчике в теле молодого мужчины, который путает сон и явь.

Стефан, застенчивый художник, возвращается из Мексики в парижскую квартиру матери после смерти отца, чтобы работать дизайнером. В доме ничего не изменилось – все игрушки на месте, та же , уже не по размеру, кровать, постельное белье с машинками и прочий разноцветный скарб. Он органично вписывается в свой детский мирок, потому что сам не поменялся. Через стенку, в такой же захламленной квартирке обитает Стефани, мечтательная девушка, выращивающая деревья в лодке. Стефан конечно же влюбляется в соседку . И тут начинаются его приключения. Полицейские вдруг выступают в роли грузчиков фоно и пианистов в миноре, из крана льется целлофан, которым можно поливать скучных зевак, старый палароид превращается в машину времени, ароматизатор для ног вылечивает ушибы на руке, по комнате летают облака и плюшогривые лошадки. Незадачливые герои, нелепые ситуации, мешанина из английского, французского и испанского заставляют хохотать на протяжении всего фильма.
-How is your dad, I mean head
-My dad’s still dead

Но после титров почему-то остается чувство легкой грусти. Фильм глубже, чем страна чудес, заснятая на 35-миллиметровую пленку. Несоответствие и противоречие выдуманного мира и действительности, не дают героям полностью наслаждаться жизнью. Они боятся отношений, действий. Бытует мнение, что настоящий художник не может быть счастливым. Счастье он обретает только в плодотворном творчестве. Может быть Гондри наказывает героя, который во многом автобиографичен, из чувства вины за то, что застрял где-то на психоделической границе между сном и явью и не использует свой потенциал в полной мере.
94,98 КБ82,67 КБ91,08 КБ




источник)

автор ).

Выстрел из Милосердия

Пятница, 16 Марта 2007 г. 17:00 + в цитатник
Выстрел из милосердия (1976)

Der Fangschuss
Режиссер:
Фолькер Шлёндорфф
Сценаристы: Ютта Брюкнер, Маргарете фон Тротта, Женевьев Дорманн
По роману Маргерит Юрсенар
В ролях: Маттиас Хабич, Маргарете фон Тротта, Рюдигер Киршстейн, Марк Эйрод



Латвия, 1919 год. В небольшом прибалтийском местечке затерялся немецкий отряд. Офицеры на свой страх и риск вынуждены продолжать никому уже не нужную войну. А в поместье де Ревалей происходит собственная драма – капитан Эрих фон Ломонд, ее друг детства, не желает отвечать взаимностью графине Софи де Реваль, предпочитая полностью уйти в работу. Уязвленная, оскорбленная Софи пускается во все тяжкие, надеясь вызвать ревность у строптивца, еще не подозревая об истинных причинах отказа капитана...

Цветную прозу Юрсенар Фолькер Шлёндорфф переводит на язык черно-белого кино, с его скупой, аскетической графичностью и подчеркнуто отстраненным, местами откровенно абстрактным изображением пространства (по ряду деталей можно догадаться, что речь идет о Первой мировой, но в иных сценах зияет намеренная «пропасть»). Очевидно, ставка на монохром (сразу после холодной до дрожи цветной Поруганной чести Катарины Блум по Генриху Бёллю) – сознательный шаг с подачи его соавтора и главной исполнительницы Маргарете фон Тротта, чья страстная и вместе с тем желчная Софи идеальна именно как черно-белый эскиз; за весь фильм виртуозный оператор Игорь Лютер умудряется представить ее невероятно разной (одинокой и несчастной, похотливой и женственной, сухой и бездушной) лишь одним приемом – тенью, падающей на ее лицо. Для Юрсенар, впрочем, конкретные время и пространство – лишь метафора страстей, которые точат героев изнутри, но не могут пробиться наружу по множеству причин внешнего характера (впрочем, причины, по которым Эрих отталкивает любящую его женщину, не однозначны; о них стоит умолчать); если угодно, это мелодрама, вписанная в жесткие рамки драматической эпохи. В этом смысле, визуальная тональность – точный эквивалент чувств, накрепко запертых в душе. А последний выстрел – точка, после которой буйству страстей возможно положить конец. Когда любовников, чья связь так и не состоялась, больше ничего не связывает, это лучший выход.


(с)источник ).
(с)автор).

фильм!фильм!фильм!

Понедельник, 12 Марта 2007 г. 18:10 + в цитатник
фильм!фильм!фильм!


Поиск сообщений в Trudnoe_kino
Страницы: [1] Календарь
Подписка RSS Реклама на сайте Реклама в газете Издательство Редакция Наш адрес

Rambler's Top100